Blog do Celso Curi

Um tributo às diferenças

2011-07-24T15:30:00.000-07:00

Marcos Felipe como Luis Antonio Gabriela

Escrita para a Revista Brasileiros

edição nº 47 | Junho | 2011

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Montagem Luis Antonio Gabriela, de Nelson Baskerville, põe em cena inquietudes e dramas pessoais, que também são universais, de forma emocionante e bem-humorada ao tratar de homossexualidade, transexuais e família

A homossexualidade e suas diversas manifestações, assunto ainda tão polêmico e em discussão no Senado e no Poder Executivo, nem sempre recebem tratamento adequado dos dramaturgos brasileiros. Raras são as montagens sobre esse tema que merecem ser vistas. Ou é encarado como tabu ou em novelinhas sem o menor conteúdo ou, ainda, em casos piores como comédias esculachadas em que os gays são motivo de piada ou chacota.

É incrível que o tema sexualidade ainda gere discussões em nosso País que tem tanto orgulho de ser emergente. Estamos ilhados na América Latina e rodeados por pensamentos e ações que nos deixam para trás em matéria de Direitos Humanos e compreensão do que sempre foi e sempre será humano.

Em cartaz no Galpão do Folias, Luis Antonio Gabriela, montagem do Grupo Mungunzá, que tem Marcos Felipe no papel título, surpreende ao falar de homossexualidade, transexuais e família de maneira bem-humorada, emocionante e cenicamente muito bem resolvida. A peça é, antes de tudo, um pedido de desculpas do autor, Nelson Baskerville, a seu irmão, com quem mantinha (inocentes) relações sexuais na pré-adolescência e que acabaram marcando negativamente a vida do autor. Nelson reagiu mal e com o passar do tempo exorciza seu passado despudoradamente diante dos espectadores.

A família de Luis Antonio e de sua nova mãe era algo comum para aquela época. Pai viúvo, com filhos, casa-se com mãe viúva, com filhos. Luis Antonio e Nelsinho foram imediatamente aceitos pela nova mãe. A história seria simples, com almoços e brigas dominicais, se não fosse o comportamento de Luis Antonio. Ele era um ser preso em um corpo que não reconhecia como seu. Luis Antonio queria e conseguiu ser Gabriela, um travesti.

A montagem, dirigida pelo próprio autor, envolve a todos, colocando família, fidelidade, felicidade, amor e sexualidade, todos com o mesmo peso. Sem hipocrisias. As escolhas cênicas são muito simples e é talvez por essa razão que levam a plateia ao profundo deleite. A música ao vivo passa a quilômetros dos empolados musicais nos quais os agudos estão nos lugares certos e os tons são respeitados com rigidez. A música está lá, presente, assim como a sensibilidade dos atores dessa história dura, mas repleta de ternura. Iluminação, figurinos, intervenção dramatúrgica, elementos cênicos se desenvolvem em perfeita harmonia.
Como bom espectador que sou - tanto de montagens teatrais quanto da vida e atuação desses personagens que vivem à margem e que merecem, no espetáculo, citação musical de Lou Reed, Walk on The Wild Side -, a montagem me transportou para momentos adormecidos em minha memória e no final fiz a minha lista de Gabrielas: Claudia Wonder, Vera Abelha, Vicky, Barbarella, Condessa, Tania Starr, Meise, Lola, Makiba, Aloma, Biá, Phedra de Cordoba. Não é para menos que ao final, a plateia aplauda em pé e com gosto. Estamos todos em cena, com nossas inquietudes juvenis e adultas, nossos sonhos, nossos pedidos de desculpas, nossas declarações de amor, nosso olhar generoso para o que é diferente de nós mesmos.

Os Mistérios de Clarice

2010-07-23T07:56:00.000-07:00

Escrita para a Revista Brasileiros

edição nº 34 | Maio / 2010

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Pensar é dar voz – ainda que sussurrada – à alma. Escrever é materializar o pensamento. Interpretar é transformar o pensamento em ação, oração.

Ao emitir o seu primeiro som, Beth Goulart apresenta ao público uma Clarice com um sotaque pesado de estrangeira. Antes que se tenha tempo de estranhar o fato, a atriz, na voz da própria Clarice, explica que, apesar de todos pensarem que ela fosse russa - na verdade, nasceu na Ucrânia e logo se naturalizou brasileira -, faz questão de afirmar que é brasileira e que os "erres" guturais são apenas um pequeno defeito de nascença. Mais uma vez, mantém a plateia apreensiva na espera das próximas ações da mulher que marcou a literatura brasileira com suas frases insuperáveis sobre os mistérios da alma humana. Basta apenas um minuto, ou menos, para que tenhamos a certeza de que percorreremos esse caminho como se estivéssemos dentro de um carrinho de montanha russa, por vezes subindo com muita tranquilidade, porém nos fazendo refletir que muito em breve estaremos despencando com a respiração ofegante e os batimentos cardíacos alterados.

Beth Goulart mais uma vez mostra que não fez uma opção fácil. Isso é uma marca da sua carreira nos palcos. Os caminhos fáceis não fazem parte de sua história. A vocação, o talento e o empenho caminham paralelamente. Como disse Clarice Lispector: "Vocação é diferente de talento. Pode-se ter vocação e não ter talento, isto é, pode-se ser chamado e não saber como ir". Beth Goulart tem todos esses atributos.

Durante muito tempo, eu pensei que a literatura de Clarice só dizia respeito às mulheres e confesso que só fui conhecê-la bem mais tarde, já maduro. Só então pude apreciar toda a sua sabedoria, todos os tons de sua voz: doce e materna, passando para a mais aguda, chegando à mais grave.

Ao falar de Clarice, impossível não se lembrar de grandes mulheres que aos poucos e, em rápidas passagens, são projetadas em meus pensamentos: Cacilda Becker, Adélia Prado, Maria Della Costa, Maria Bethânia, Cleyde Yáconis. Ela contém todas essas mulheres em seus escritos. Sua maneira de amar a vida e a arte e o desvendar dos mistérios de ambas me ajudam a entender esse universo feminino com mais clareza.

A magia do espetáculo segue com suas insuperáveis frases sobre a vida, o amor, Deus, a morte - na voz dura e ao mesmo tempo bem-humorada da própria autora. O roteiro assinado pela atriz apresenta também trechos de parte da literatura de Clarice e a atuação diferencia com muita delicadeza o dia a dia da autora e o de suas personagens. O apoio fundamental para as mudanças necessárias vem em parte dos eficientes figurinos assinados por Beth Filipecki.

A direção assinada pela própria Beth Goulart, com supervisão de Amir Haddad, colabora e muito para que o texto de Clarice chegue ao público de maneira clara e emocionante.

A produção impecável traz as assinaturas imprescindíveis de Maneco Quinderé, na luz, e Westerley Dornellas, na maquiagem. A lista de profissionais envolvidos é bastante extensa, o que deixa claro, mais uma vez, que um monólogo é o espetáculo que tem em cena apenas um ator, mas deve ser apoiado por outros criadores adjuntos.

Simplesmente Eu, Clarice Lispector
Reestreia em Setembro no Teatro Renaissance / SP

O MILAGRE DA CRIAÇÃO

2010-03-05T14:40:00.000-08:00

Escrita para a Revista Brasileiros
edição nº 31 / Fevereiro 2010
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No início existiam apenas trevas, depois se fez a luz e começaram a ser criados os outros elementos e seres. Essa versão simplista, criacionista, talvez não sirva para o homem, mas, com certeza, se encaixa perfeitamente para a criação teatral.

No teatro, e especialmente em In on It, a luz, de repente, desponta. Nesse momento, surgem os atores. São criaturas e também personagens. Essa geração mínima inicial vai se desenvolvendo em vários personagens. Alguns com conteúdos que se assemelham aos da gênese. Outros com anseios opostos, para que todos, juntos, possam evoluir.

O mais curioso é que o próprio autor, o canadense Daniel MacIvor (que também desenvolveu as carreiras de ator, roteirista e diretor de teatro e cinema), fala por intermédio de um dos personagens, uma criança: "Se Deus teve apenas dois filhos, com quem eles se relacionaram?". A ingenuidade infantil gera o questionamento: como chegamos a ser tantos?

No teatro, isso se resolve com mais tranquilidade e os personagens se reproduzem conforme a necessidade de conhecimento dos próprios autores. Multiplicam-se, e esse número pode ser infinito enquanto não resolvermos as questões da alma humana.

A dramaturgia de MacIvor é instigante e favorece o jogo cênico que vai se desenvolvendo de maneira desconstruída, mas, ao mesmo tempo, extremamente ordenada e que ousa e consegue contar a história de cada um de nós.

Ressonância magnética

O fato de os dois personagens em cena serem gays não é um dado fundamental, mas remete mais uma vez à criação e não à procriação. Sem estereótipos, a história de amor mal resolvida entre eles permite o distanciamento ético e estético dos dois, deixando claro mais uma vez que somos um e como tal temos de nos reconhecer.

Enrique Diaz, o diretor que tem nos oferecido na bandeja algumas das mais belas obras que o teatro brasileiro já produziu nos últimos anos - como a Gaivota (tema para um conto curto) e Ensaio.Hamlet -, abraça o texto de MacIvor e com a mão segura caminha, passo a passo, com os atores. É possível senti-lo em cena como o terceiro elemento. Sua concepção cênica para In on It é delicada e, ao mesmo tempo, tão presente, fazendo a plateia se deleitar e respirar profundamente a cada mudança de ação, que são muitas. Tudo é simples e preciso como em um processo de tatuador: a cada nova cena, ele prepara o ator; em seguida, desenha a ação e, com a mão certeira, imprime as imagens e as cores que perpetuarão em nossas retinas.

O trabalho dos dois atores, Emílio de Mello e Fernando Eiras, é estonteante e se, por vezes, envereda pelo mais deslavado humor, em outras leva a plateia à mais profunda emoção. Por meio deles, os homens e mulheres que interpretam são fatiados em camadas, como em um aparelho de ressonância magnética, ou tomografia computadorizada. Ao público é entregue apenas a essência. Embora somente Fernando Eiras tenha sido indicado ao Prêmio Shell 2009, no Rio de Janeiro, Emílio de Mello atua nos limites da preciosidade do jogo cênico e vai além, realimentando a atuação do parceiro para que também atinja a perfeição.

Pela amostra da primeira grande estreia do ano, 2010 promete ser um grande ano para o teatro. Resta ainda informar que a expressão In on It poderia ter várias leituras, mas o uso mais recente da expressão pode ser traduzido por "estar por dentro".

Teatro FAAP - Rua Alagoas, no 903

São Paulo (SP)
(11) 3662-7232 (11) 3662-7232 / 3662-7235
Até 14/04/2010

DELÍRIOS DE UMA LOBA E SUA ALCATEIA

2010-01-04T18:21:00.000-08:00

Escrito para a Revista Brasileiros edição n° 29 – Dezembro de 2009

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José Possi Neto dirige a mesma peça, de Renato Borghi, duas décadas depois. E garante: “Não é uma remontagem”

Uma história de acerto de contas de relacionamentos amorosos serve de pano de fundo para o autor, Renato Borghi, discutir o teatro e a vida. No teatro nunca teve essa de "onde se ganha o pão não se come a carne". Tudo é visceral no mundo das artes. Uma separação, uma sociedade familiar desfeita e um terceiro elemento imposto à relação de muitos anos. Isso já foi discutido nos clássicos da Grécia Antiga e continua a ser assunto para as revistas de fofocas que envolvem os semideuses dos novos tempos, vulgarmente conhecidos como celebridades.

José Possi Neto já havia encenado A Loba de Ray-Ban, há 20 anos, no Rio de Janeiro, o mesmo texto tendo Raul Cortez, como protagonista; Christiane Torloni, vivendo a esposa; e Leonardo Franco, no papel de amante do Lobo (em São Paulo era Renato Modesto). O jogo é outro - e o triângulo amoroso agora é formado por duas mulheres e um homem -, mas a discussão permanece a mesma: amor, traição, sexualidade. Segundo o próprio Possi, essa peça "Não é uma remontagem. É como se estivesse encenando um clássico".

Com a vulgarização do espaço cênico, repleto de montagens malcuidadas, visando apenas a obtenção de altos valores de patrocínio e gordas arrecadações de bilheteria e encabeçadas por atores que sobrevivem da imagem televisiva, o bom teatro é cada vez mais raro.

O triângulo amoroso de A Loba merece tratamento primoroso da direção de José Possi Neto que, com sua mão firme e certeira, coloca tudo a serviço do espetáculo: os atores, cada foco de luz, bem como cada um dos elementos cênicos. Cenas de nudez masculina e de ternura "caliente" entre mulheres são levadas ao palco com extremo bom gosto e não chocam a plateia, ávida para ver o circo pegar fogo. E o circo pega fogo, mas não pela vulgaridade.

Possi mostra, em A Loba, que ainda há espaço para o bom teatro. Ele é um encenador que não economiza e tem deixado isso muito claro desde o início da carreira. Não consigo me esquecer de Tratar com Murdock, que ele encenou há algumas décadas. Possi apresentava, para uma pequena plateia, os aposentos de uma velha senhora repousando em seu leito, enquanto seu mordomo oferecia ao público, através de um tecido transparente, seus sonhos eróticos. O diretor nunca abandonou o teatro em que acredita para render-se ao simples. Com ele não tem essa de "um banquinho e um violão". Nas montagens assinadas por Possi, sempre serão necessários muitos violões e muitos banquinhos. E o mais surpreendente é que, na maioria das vezes, suas soluções mirabolantes parecerem muito simples.

A cenografia de Jean-Pierre Tortil e os figurinos assinados por Fabio Namatame dialogam com a dramaturgia e a direção. Ambos os trabalhos transitam entre o mais comum dos adereços aos mais sofisticados elementos que servem para contar a história dos personagens (e dos personagens vividos por eles). O teatro dentro do teatro. São malhas com tramas gigantescas, ponte levadiça e cortina quilométrica. Mais uma vez, cabe ao encenador usar cada um desses recursos sem que permaneçam inúteis e apenas elementos decorativos.

Assim como cada detalhe da construção cênica merece toda a atenção de seu maestro, os atores não são exceção. Cada gesto da bela protagonista, Christiane Torloni, é desenhado pelo encenador. Nenhum dos atores pode se sentir abandonado em cena tendo de lutar utilizando apenas os próprios talentos. Os tentáculos da direção se ocupam de tudo. Possi tira dos atores o melhor de cada um e o resultado são interpretações fortes e emocionantes, desde a experiente e velha parceira, Christiane Torloni - já acostumada a seus delírios - aos outros protagonistas da trama, Leonardo Franco e Maria Maya.

A Loba de Ray-Ban para no fim de dezembro, mas volta no início de janeiro no mesmo teatro em São Paulo.

O CÉU POR TESTEMUNHA

2009-11-25T06:07:00.000-08:00

Com direção de Júlio Maciel, cenário e figurinos de Marcio Medina, o Galpão apresenta Till, em montagem ao ar livre

escrito para a Revista Brasileiros edição n° 28 – Novembro de 2009 http://www.revistabrasileiros.com.br/

Comenta-se a boca pequena entre os frequentadores assíduos de teatro que não há nada mais dolorido que assistir a um mau espetáculo. A situação normalmente é constrangedora: os atores estão ali, ao vivo, e você está rodeado por outros espectadores aflitos, passando pela mesma agonia. Isso não é bom para nenhum dos lados da tal da quarta parede. Quando a quarta parede deixa de existir e somos presenteados com um belo espetáculo, e esse é o caso de Till, a saga de um herói torto, do Grupo Galpão, nada pode ser mais estimulante. É no teatro ao ar livre, benfeito, que a plateia se comporta como cúmplice dos atores e tem, sem metáforas, o céu por testemunha. Puro prazer: a igreja chama isso de comunhão.

A Idade Média é a época em que vive a personagem principal, Till, um jovem que demorou anos para sair do ventre da mãe, por pura preguiça. Ele nasce sem inteligência e depois é desprovido da consciência, resultado de um acordo com o Diabo (Chico Pelúcio) para garantir sua sobrevivência, ao ser condenado à morte por uma de suas falcatruas. Fica difícil não comparar Till aos nossos heróis populares, Macunaíma, de Mário de Andrade, e Pedro Malasartes - que já foi personagem de ópera de Guarnieri com libreto de Mário de Andrade.

Till Eulenspiegel é a versão alemã de Pedro Malasartes, personagem folclórico que ganhou em cada recanto do Brasil uma versão de sua história e, dizem, teve sua origem na Europa, onde cada país cultua os seus "Pedros" e "Tills". Ou seja, em todas as culturas, onde há grandes diferenças sociais, podemos encontrar contos populares em que o pobre é o espertalhão e o rico é um tolo.

Apesar da distância histórica, Till está visceralmente ligado a todos os brasileiros dos dias de hoje, principalmente os que vivem na cidade de São Paulo e em outros grandes centros urbanos - onde estamos rodeados de moradores de rua que seguem perambulando por aí, tentando sobreviver de pequenos expedientes e aos golpes dos exploradores da miséria humana. Basta caminharmos por nossos elegantes bairros e alguém tem uma história para contar dos moradores a céu aberto.

Além do desaforado Till, vivido magistralmente por Inês Peixoto, e sua mãe, incorporada por Teuda Bara - atriz mineira das mais cultuadas -, um trio de cegos diverte e emociona a plateia com as suas peregrinações em busca das Cruzadas de Jerusalém. São eles os protagonistas de uma das mais belas cenas, escrita por Luis Alberto de Abreu, em que Alceu (Simone Ordones), ferido mortalmente em uma batalha pede ao amigo Borromeu (Antonio Edson) que o beije para que não morra sem conhecer a sensação de ser beijado. Isso resulta em uma breve pausa na luta de classes vivida pelo povo e encabeçada pela consciência de Till, que vaga independentemente do seu corpo. Mas como nas guerras que vivemos, o impacto do ato tem curta duração.

Além dos atores já citados, todos os participantes do Grupo Galpão dominam a cena com maestria e dedicam-se não somente à atuação como à execução de instrumentos que nos remetem aos sons envolventes e bem-humorados da Orquestra para Funerais e Casamentos de Goran Bregovic - que ficou conhecido pela trilha sonora de Borat.

A nova montagem do Grupo Galpão, que retorna à linguagem de teatro de rua, é primorosa. Para os que tiveram a sorte de ter assistido à versão de Romeu e Julieta, do mesmo grupo, espetáculo que povoou durante anos o imaginário dos amantes do bom teatro como uma das mais belas montagens do clássico de Shakespeare, é como se um retorno no tempo nos tivesse brindado com as mesmas emoções. Muito humor, luta pela sobrevivência e momentos de extrema emoção e beleza.

Till, a saga de um herói torto já se apresentou no Rio de Janeiro, em várias cidades de Minas Gerais, em São Paulo, e seguirá sua turnê pelo Brasil e pelo mundo. Esperemos que como em Romeu e Julieta e A rua da amargura, obras-primas da companhia mineira, esse novo trabalho permaneça em cartaz por muito tempo para que possa atingir a um público ainda maior do que os mais de 50 mil expectadores que já o assistiu.

Informações sobre a agenda do
Grupo Galpão no site:
www.grupogalpao.com.br

PRIMEIRA E ÚNICA MULHER

2009-11-03T13:44:00.000-08:00

escrito para a Revista Brasileiros edição n° 27 – Outubro de 2009 www.revistabrasileiros.com.br

Falar de morte e de amor incondicional é algo que pode resvalar no lugar comum, na pieguice, no melodrama, mas Restos, de Neil LaBute - dramaturgo e diretor de cinema americano - em cartaz no Teatro FAAP, protagonizado por Antonio Fagundes, passa bem longe de tudo isso. O texto tece os acontecimentos sem dar à plateia tempo para que ela sequer enverede por caminhos da emoção superficial. Tudo é profundo e simples ao mesmo tempo. Uma bela escolha desse ator-produtor que há mais de quarenta anos atua no teatro, cinema e televisão.

Logo, ao abrir das cortinas, vendo o piso de grama negra, reluzente, como se fosse um delicado brocado - pisado pelos pés descalços de Fagundes -, fica claro que não iremos presenciar um simples funeral da pessoa amada. O caminho será longo e

pouco confortável para nudez ainda representada apenas pelos pés delicados de um homem emocionado, simples, que ganha a vida alugando automóveis antigos, e tem grande orgulho de ter uma rede, país afora, chamada Carr's Cars. A mais comum das histórias de amor, sexo e convivência matrimonial, não fossem os segredos que ela contém e que serão apenas revelados no final: sem alardes, Mary Jo - a tão presente esposa de Edward Carr é, em todos os sentidos, a única mulher da vida dele.

Carr não se poupa em tocar em assuntos íntimos, como o de sua primeira experiência sexual, que aconteceu com sua mulher que acaba de morrer. Fumando um cigarro atrás do outro - apesar de ter, segundo o seu médico, apenas mais alguns meses de vida, acometido por um câncer -, vai revelando que nunca teve outra mulher nem antes, nem depois dela. Alegra-se até, em determinado momento, que ela tenha morrido antes dele e, portanto, não lhe seria conferida a chance de conhecer outros homens depois dele. Palavras duras, mas que contêm a melhor essência desse amor.

Texturas e mais texturas se apresentam uma após a outra e as camadas dessa personagem, por vezes quase rude, se misturam às propostas por todos envolvidos nela, tanto pela atuação madura de Antonio Fagundes, como pela encenação brilhante de Márcio Aurélio - grande conhecedor da alma humana - e que já nos brindou com obras primorosas, como Agreste e Ópera Joyce

RESTOS

Teatro FAAP - Rua Alagoas, no 903

- Consolação, São Paulo (SP)

(11) 3662-7232 / 3662-7235

EU COMO VOCÊ ou (Arquétipos do Desejo)

2009-08-27T11:56:00.000-07:00

escrito para a Revista Brasileiros

edição n° 25 – Agosto de 2009

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A vontade de remexer nas origens nordestinas de Nelson Rodrigues, e de muitos dos integrantes do grupo Os Fofos Encenam, somando-se ao estudo permanente que a companhia vem fazendo sobre a obra de Gilberto Freyre, levou a trupe a mergulhar fundo em suas raízes e como consequência transformar a sua sede em um santuário/instalação da brasilidade e da família. Móveis e fotos dispostos no bar – restaurante - sala de espera preparam o público para o que ele irá presenciar dentro do espaço cênico.
Em Memória da Cana, adaptação livre de em uma de suas mais belas obras de Nelson , Álbum de Família, somos transportados para esse universo sem escalas. E esse encurtamento de trajeto nos é dado de presente pela pernambuquice do adaptador/diretor , o consagrado autor Newton Moreno, que já nos presenteou com Agreste e As Centenárias.
Sempre ouvimos, ou lemos, que um determinado texto de Nelson Rodrigues é a mais importante da obra de sua carreira, mas uma breve reflexão nos permite afirmar que toda a sua produção é fundamental; não só para o teatro brasileiro, como um dia será para a dramaturgia universal. Confesso que me aproximei ainda mais desse estupendo autor, que sem pudores nos ajuda a desvendar os mistérios da psicologia humana, depois de ter assistido Memória da Cana. Assobiei, chupei a cana e quero mais.
As paredes transparentes do cenário nos permitem ver os diversos cômodos da casa e facilitam o voyeurismo para dentro de nós mesmos. Se na obra de Nelson as fantasias incestuosas já são delineadas com extrema clareza, em Memória da Cana elas são não apenas apresentadas, como também desvendadas e explicitados através dessa obra que não deixa pedra sobre pedra quando o assunto é o mundo dos sonhos proibidos. O circo pega fogo quando as paredes desabam e junto com elas todas as possibilidades de nos protegermos de nossos mais enrustidos desejos.
Mãe que deseja o filho, pai que deseja a filha, filho que deseja a mãe, irmão que se castra para não sucumbir aos seus desejos incestuosos. Como nas tragédias gregas, em Memória da Cana nos deparamos com nossos sentimentos mais ocultos, com as nossas grandes disputas de poder, e que acobertamentos de todos. O cheiro da cana, da terra é inebriante e (como diz o ditado, quem nunca comeu melado, quando come se lambuza) nos melecamos todos.
Durante o espetáculo, como num jogo de xadrez, as imagens de santos são manipuladas, carregadas , transferidas de lugar como se fossem capazes de purificar cada ação e em alguns momentos elas servem de avalistas para as condutas libidinosas e incestuosas. Denunciando assim a participação ativa das crenças religiosas nos descompassos sexuais da vida familiar. E isso não acontece apenas nas relações entre os moradores da casa grande e da senzala; contamina também, ou principalmente, as relações entre parentes dentro da própria casa grande.
Vale ressaltar as atuações surpreendentes que, certamente, deve-se ao trabalho do grupo que há muito tem provado sua competência em suas pesquisas que extrapolam o âmbito acadêmico e que atingem não apenas os pequenos grupos de iniciados.

Rodeado de terra e açúcar, não pude deixar de lembrar de um documentário que assisti sobre as formigas e abelhas. Puro teatro grego, puro Nelson. Pude ver como somos parecidos com eles em seus formigueiros e colméias, com suas rainhas assassinas e zangões assediados e abusados . Tudo cheira a sexo, morte e renovação. O que nos diferencia deles é que temos bons dramaturgos, como Nelson e Newton. Às abelhas e às formigas sobraram apenas as fábulas e os espetáculos infantis.
Como dizem que sexo tem tudo a ver com comida, ao final do espetáculo é possível degustar pratos da culinária nordestina que devem ser encomendados na compra dos ingressos. Cardápio e preços podem ser consultados no local ou no site do grupo.
São Paulo
Memória da Cana
Espaço Os Fofos Encenam
www.osfofosencenam.com.br
Tel. 11 3101.6640

SERIA TRÁGICO, SE NÃO FOSSE CÔMICO

2009-07-27T16:30:00.000-07:00

escrito para a Revista Brasileiros
edição n° 24 – Julho de 2009
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Fui apresentado ao estranho poder da voz de Florence Foster Jenkins na década de 1970 por Naum Alves de Souza, um criador antenado e renomado autor e diretor de teatro. Posso me lembrar claramente como fui atingido por aqueles grunhidos extraterrestres como se fosse hoje. Estranhávamos àquela época, como alguém com aquela voz e com aquele visual poderia ter ficado tanto tempo desconhecido dos verdadeiros amantes da arte como nós. Passávamos horas ouvindo aquele long play falando sobre a Florence e tentando entender o que a levou a tomar atitudes tão contundentes e radicais em sua vida e, também, o que levaria um ser humano tão desprovido de talento vocal a perseguir uma carreira lírica com tanto afinco. Riamos muito, de nos contorcer, e ao mesmo tempo nos enternecia saborear as poucas imagens às quais podíamos ter acesso daquela figura quase uma precursora das drag queens. Fazíamos cópias piratas de suas músicas em fitas cassete e distribuímos para os amigos mais íntimos. Estava criada, antes mesmo do evento da internet, o “twitter” da Florence Foster Jenkins. Éramos seus fiéis seguidores, só falávamos dela, só pensávamos nela.

O tempo passou e com a chegada da rede global de comunicação aprendemos que a Florence não é muito diferente dos milhares de usuários da web que hoje se expõem sem pudores através de pequenos vídeos caseiros. Basta uma “googada” e qualquer um pode apreciar os mistérios e as esquisitices da raça humana.

A idéia de se montar um musical sobre a vida dessa admirável criatura é no mínimo uma homenagem àqueles que têm um sonho e o perseguem até o fim. Florence “had a dream” (tinha um sonho) e o realizou. Sem pudores, como Luther King, Obama e Susan Boyle.

Dando uma pesquisada na internet encontrei várias montagens, mundo afora, da vida de Florence e fiquei feliz em saber que finalmente depois de mais de 50 anos de sua morte, e quase 130 de seu nascimento, ela finalmente teve seu talento reconhecido.

O roteiro de Peter Quilter, escolhido para a montagem de Gloriosa, em cartaz no Teatro Procópio Ferreira, dá apenas uma pequena idéia do que deve ter sido essa grande figura do universo lírico americano do início do século passado e mostra que Florence Foster Jenkins era a “piada” mais popular de Nova York nos anos 1940. E por conta disso, era amada pela sua platéia. Dizem que os ingressos para os recitais anuais que protagonizava no Hotel Ritz eram disputados a tapa. Com medo de atrair uma platéia hostil ela entrevistava cada um dos compradores dos ingressos. À sua platéia, formada em sua maioria por mulheres que pertenciam às instituições de caridade que ela presidia, além de grandes nomes como Cole Porter, Irving Berlin e Noel Coward, ela oferecia um repertório caprichado (Mozart, Verdi, Strauss) com uma peculiaridade: conseguia realizar as piores interpretações que estes compositores já tiveram em toda a história. Seria trágico se não fosse cômico.

A vida de Florence chega aos palcos brasileiros através dos diretores Charles Möeller e Claudio Botelho, com produção de Sandro Chaim, e na interpretação da talentosa artista multi-tarefas Marília Pêra que transita com tranquilidade entre o drama e a comédia com a mesma qualidade de interpretação. O elenco conta ainda com as competentes interpretações de Eduardo Galvão, como o fiel pianista Cosme McMoon, e de Guida Viana em variados papéis.

É difícil dizer o que Marília Pêra faz melhor, mas vendo sua Jenkins ouso afirmar que é na comédia deslavada, ou ainda nos exageros técnicos, que ela se sente mais em casa. Seu saltitar, sua cara de pau em dizer as bobagens contidas no texto e seu despudor são no mínimo o “crème de la crème” do teatro popular contemporâneo.

“A composição desta personagem foi extremamente difícil para mim, porque passei a minha vida inteira aprendendo a cantar e me aprimorando. De repente, tenho que fazer justamente o contrário, desafinar. Foi uma verdadeira desconstrução da minha voz.”, comenta Marília. Ela que passou toda a sua vida cuidando da voz e de seus gorjeios é obrigada a desafinar como uma galinha estrangulada e cumpre muito bem a tarefa. Suas interpretações de Rainha da Noite, de Mozart e de A Risada de Adele, de Strauss são um verdadeiro delírio. A platéia ao vê-la e ouvi-la aplaude seus acertados erros propositais.

Florence esteja onde estiver, deve estar se sentindo presenteada.

Gloriosa
Teatro Procópio Ferreira – São Paulo
Tel. 11 3083.4475

VICIADO PELO PODER

2009-06-19T09:42:00.000-07:00

escrito para a Revista Brasileiros

edição n° 23 – Junho de 2009

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A história de José Carlos começa quando ele é um adolescente e é considerado o filho “problema” , que gosta de fumar um “baseadinho” e sem grandes ambições. Manipulado pela família, classe média, quase que obrigado, entra para o serviço público. Pouco afeito a botar a mão na massa, por pura sorte, acaba sendo aprovado em um concurso através de um teste de múltipla escolha e chega ao seu primeiro emprego. De múltiplas em múltiplas escolhas ele acaba sendo o escolhido para participar ativamente da história recente do Brasil. Aprende a manipular dados e pessoas e chega a Brasília como laranja e acaba desenvolvendo talento para ser lobista. De lobista a candidato e depois eleito deputado, alterna suas ações entre manipulador e manipulado sem o menor pudor. Condena as ações de seus amigos políticos e instantaneamente muda de lado, apoiado por teorias das mais convincentes. A sua própria sobrevivência depende de vacinas muitas vezes desenvolvidas com o vírus mutante da vida política. Dando nome aos bois, tancredos, sarneys, collors, fhcs, lulas, José Carlos se mantém vivo respaldado pela bancada evangélica, na Corte do Serrado.
Sem ser panfletário, nem maniqueísta, o Mediano, de Otávio Martins, diverte e nos adverte que as coisas são mesmo assim: lá e cá. Fazemos parte de um grupo de animais quase racionais prontos para agir em defesa própria. Principalmente quando o caminho nos é facilitado. Temos tido ótimos exemplos disso não somente na política como também no futebol. O que importa é o nosso potencial de arremesso a gol, não importando contra quem estamos jogando. Atacamos e defendemos, em nome da democracia, mas baseados muito mais na defesa de nossos próprios espaços. Outro ponto positivo da escrita de Otávio é a denuncia de uma quantidade enorme de profecias estrondosas que somos capazes de fazer sabendo que elas tem noventa por cento de chance de não se concretizarem. A personagem afirma categoricamente que o “moço das alagoas”, o “sociólogo” e o “operário barbudinho” jamais chegarão ao poder e num piscar de olhos divide com eles as cenas palacianas.
José Carlos é vivido por Marco Antonio Pâmio um ator que tem se preocupado em oferecer ao público participações primorosas em obras como Pobre Super Homem, Longa Jornada Noite a Dentro, Pedra nos Bolsos e tantas outras. São 25 anos de serviços prestados ao bom teatro. A atuação de Pâmio em “Mediano” , seu primeiro monólogo, é irrepreensível. Apoiado por uma cenografia muito simples, ele nos apresenta criaturas, homens e mulheres, muito diferentes. Familiares preocupados com as suas crias, crias preocupadas com as suas micro-vidas e uma quantidade interminável de personagens que conhecemos tão bem: nós mesmos.
A direção precisa de Naum Alves de Souza dá a certeza ao Marco Antonio Pâmio que mesmo atuando em um monólogo o ator não pode, nem deve, se sentir só. Tudo é bem cuidado e cada movimento seja físico ou mental está acompanhado da sabedoria de um mestre da direção. Nada é banal.
Depois de cumprir curtíssima temporada no SESC Pinheiros, “Mediano” de Otávio Martins se atira na realidade teatral da praça Roosevelt, mais precisamente no Teatro Parlapatões.

MEDIANO – Reestréia dia 20 de Junho, no Espaço dos Parlapatões. Pça. Roosevelt, 158. T. 3170-4059. Espetáculo recomendável para maiores de 14 anos. – Sábados à meia-noite. R$ 30,00 (inteira) R$ 15,00 meia. Até 25 de julho.

A GENÉTICA DE NELSON

2009-03-24T12:48:00.000-07:00

escrito para a Revista Brasileiros
edição n° 19 – Fevereiro de 2009
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A montagem teatral carioca Cachorro!, de Jô Bilac, invade a nossa praia pela segunda vez depois de curta temporada de sucesso há mais ou menos um ano atrás no SESC Paulista. De volta ao Rio eles cumpriram pequenas temporadas em alguns espaços e agora eles se apresentam no espaço da Caixa Econômica Federal da Praça da Sé, também por um tempo muito reduzido. Para falar a verdade essas temporadas muito breves me incomodam um pouco, pois quando os espetáculos começam a formar seu público, chega a hora de abandonar o espaço. É preciso que os programadores confiem mais em suas descobertas e invistam mais na divulgação do teatro emergente.

Em Cachorro!, sem medo de comparações com as obras de Nelson Rodrigues, Jô Bilac bebe com muita sede o que o mestre das relações familiares e amorosas – muitas vezes as duas coisas ao mesmo tempo - nos ensinou e isso resulta em uma dramaturgia fresca, ácida e muito consistente. Puro Nelson, mas geneticamente modificado.

Um triângulo amoroso se apresenta desde os primeiros minutos da ação e manipulando frágeis painéis translúcidos – que por vezes revelam as cenas e que quando necessário as esconde, os três jovens atores utilizam uma linguagem corporal contemporânea que acentua a dramaticidade cômica do texto acompanhada pela sensual trilha sonora assinada por Diogo Ahmed.

Os atores Carolina Pismel, Felipe Abib e Paulo Verlings apesar da pouca idade compreendem esse universo rodriguiano e encantam os espectadores jovens apresentando esse universo dolorido e divertido, como num ritual de passagem. Todos se deleitam com suas atuações irrepreensíveis.

O cenário de Daniele Geammal é formado por divisórias que funcionam como separação das cenas e muitas vezes, apoiados pela luz precisa de Paulo Cesar Medeiros, nos remete ao teatro de sombras nos transformando em “voyeurs” de momentos proibidos.

A direção precisa de Vinícius Arneiro oferece ao grupo a certeza de estarem trilhando o caminho correto para que exagerem nas tintas quando é necessário e tirem o pé do acelerador quando a trama assim exige. E, para ser honesto, é no exagero que a montagem acaba pegando a platéia de maneira irreversível.

Enfim: boa dramaturgia, ótimas atuações, direção madura. O que mais pode-se desejar?

Além da temporada paulista Cachorro! cumprirá extensa temporada Brasil afora.

Agenda
12 a 22/02 Caixa Cultural São Paulo – SP 28/02a 24/05 Circuito SESI – SP. Todos os finais de semana.23/03 São Luiz do Maranhão24/03 Sousa – Paraíba – "Festival de Teatro do BNB"25/03 Juazeiro do Norte – Ceará - "Festival de Teatro do BNB"26/03 Fortaleza – Ceará – "Festival de Teatro do BNB"13/06 Uberaba – Minas Gerais.
Site: www.teatroindependente.com.br

AS ÁGUAS DE MÁRCIA

2009-02-01T14:26:00.000-08:00

escrito para a Revista Brasileiros

edição n° 18 – Janeiro de 2009

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Há algum tempo venho acompanhando a criação de Márcia Milhazes frente à sua pequena companhia de dança e confesso que a cada nova estréia ou, até mesmo, a cada vez que eu revejo algum de seus trabalhos, eu tremo nas bases diante de uma dramaturgia das mais complexas e instigantes.

Em 2007, a Cia Márcia Milhazes apresentou Tempo de Verão que recebeu vários prêmios da crítica especializada. Em agosto deste ano, estreou Meu Prazer e já se apresentou em São Paulo e Rio de Janeiro. Em janeiro de 2009 ela inicia uma turnê nacional, começando por São José dos Campos. Pena, mas as pautas oferecidas para a dança nos teatros ainda é escassa e muito fragmentada.

A nova dança produzida pelo pensamento, pela emoção e pelo movimento, tem me interessado cada vez mais. Muitas vezes mais do que o teatro da palavra. Talvez pela utilização excessiva desses códigos. As criações de Márcia Milhazes Companhia de Dança me fazem olhar com olhos mais atentos essa dramaturgia que apesar de não utilizar palavras grita em alto e bom som todas as emoções que nós mortais vivemos, sonhando que somos imortais. Vale ressaltar que essas afirmações não são válidas para tudo o que tem se produzido pela dança contemporânea.

A alegria e a dor, em Meu Prazer, ocupam o mesmo espaço cênico e através de movimentos minuciosamente criados por Márcia Milhazes, e executados com perfeição pelos interpretes, nos fazem viajar por águas mansas e turbulentas que dominam a maior parte de nossa estrutura – dizem que nossa composição chega a mais de 60% de água. E, em alguns casos, ao ver Meu Prazer, essas águas transbordam e escorrem pelo canal lacrimal. Pura emoção.

De encontros e desencontros, de humano e desumano, a dramaturgia de Meu Prazer nos conta um pouco desse nosso cotidiano lidando com nosso prazer e sentimentos. As escolhas dos movimentos nos aproximam mais dos nossos erros e acertos em relação ao outro e a nós mesmos.

Al Crisppinn, Ana Amélia Vianna, Felipe Padilha e Fernanda Reis são parceiros de Márcia Milhazes em Meu Prazer e não economizam mesmo na mais profunda crise. Eles desenham com perfeição esse universo de corpos que se resvalam delicadamente, na maioria das vezes.

O jardim suspenso criado por Beatriz Milhazes para Meu Prazer repete o acerto de Tempo de Verão. As cores de seus cenários – objetos nos ajudam a flutuar com os movimentos criados pela coreografa. Ambas, Márcia e Beatriz, utilizam o mais elaborado dos processos de criação e que resultam extremamente simples.

A trilha sonora, também assinada por Márcia Milhazes, envolve a cena e tem a função de pele para esses corpos. Fala explicitamente de amor, com sotaque bem brasileiro. Valsas, solos de piano e acordeão e a voz de Francisco Alves em Misterioso Amor.

Se Márcia Milhazes prefere ficar “trancada para criar”, como ela mesma afirma, ela utiliza todas as janelas do corpo para gritar a sua dramaturgia emocionada e emocionante, deixando claro que o que está sendo desvendado é o humano ou o sobre-humano.

MONSTRA NADA SAGRADA

2009-01-24T06:33:00.000-08:00

escrito para a Revista Brasileiros
edição n° 16 – Novembro de 2008
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Ao ver o cartaz de Monstra, arte de Luiz Stein, aqueles que como eu achavam que a dama do teatro de humor carioca Patricya Travassos, que enlouqueceu platéias quando se apresentou em Trate-me Leão, do grupo Asdrúbal Trouxe o Trombone, tinha sido seqüestrada e era mantida como refém por uma abóbora hidropônica por sua atuação em Alternativa Saúde, do GNT, podem respirar aliviados.No palco do Teatro dos Quatro, em seu espetáculo Monstra, ela está livre tanto das leguminosas criminosas e, até mesmo, das comidas orgânicas. Livre, também, de seu linguajar 'geenetesco', politicamente correto. Já na abertura do espetáculo, ela deixa claro que não está ali para se policiar e enfia o pé na jaca, antes mesmo de pisar no palco. Entrando pela platéia, ela já prepara a todos para o que eles irão ver e, de cara, arranca os sapatos de uma das espectadoras porque esqueceu os dela em casa.Ela vive Maria Helena, que chega ao teatro com o pretexto de ministrar uma palestra de auto-ajuda e cai em suas próprias armadilhas, pois percebe que os sábios toques que pretendia dar aos presentes não funcionam nem para si mesma.Isso posto, passa o resto do tempo regulamentar lidando com suas próprias inseguranças até se transformar na tão esperada mulher-monstra.De seu livro, Monstra e outras crônicas da revista Marie Claire, recentemente lançado pela Editora Globo, Patricya selecionou, com a ajuda do diretor Jorge Fernando, algumas delas e as transformou em dramaturgia.Segundo a própria Patricya, essas histórias foram colecionadas a partir de suas saídas pela cidade e, é claro, algumas criadas por ela, sempre inspiradas em sua experiência pessoal e de suas amigas. Ela garante que não são histórias autobiográficas.Patricya nada de braçada em águas tão familiares para ela, o humor escancarado, e nessa tragicomédia singular arranca da platéia as mais deliciosas gargalhadas. Tudo sem o menor pudor.A direção de Jorge Fernando, que também conhece muito bem esse universo do humor deslavado, colabora de maneira fundamental para que o espetáculo tenha o resultado desejado.

Ver ou rever Irma Vap. Eis a questão.

2008-11-14T06:12:00.000-08:00

Fotos: Priscila Prade

escrito para a Revista Brasileiros
edição n° 15 – Outubro de 2008
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Ir ao teatro para assistir a uma nova versão de um espetáculo que marcou positivamente a nossa vida cultural gera no mínimo uma insegurança imensa. A situação é mais dramática quando a primeira versão tinha em cena Marco Nanini e Ney Latorraca, dois mestres da arte de interpretar. Dois monstros sagrados na arte de fazer rir.A qualidade da montagem será a mesma? Será que vou me divertir como há 20 anos? Será que os atores que estão interpretando os papéis perpetuados por aquela dupla de atores considerada imbatível vão dar conta do recado? Será que aquela cena vai ser tão prazerosa como foi da primeira vez em que a vi? Será que eles vão conseguir fazer tudo aquilo? O texto envelheceu? Será que será?Acredito que é assim que reagem os que vão ao Teatro Frei Caneca rever Irma Vap, de Charles Ludlam, direção de Marília Pêra, que também assinava a primeira montagem.O mais complicado de se estar na estrada há muito tempo, é que começa a pipocar na sua frente aquela fila interminável de remontagens. E não apenas no teatro. No teatro falado apenas os clássicos tinham esse direito e são reencenados sempre dependendo da idade dos atores. A certa altura da carreira alguém decide: "Estou pronto para fazer Hamlet", depois de um tempo é o momento de "estar pronto para interpretar Édipo", até chegar ao "estar pronto para o Rei Lear". Poucos vivem tempo suficiente para cumprir todas essas etapas, principalmente a última.Hoje as remontagens populares tomam conta das salas de espetáculo, mesmo sem que os textos sejam considerados clássicos. Só de espetáculos que envolvem o nome da Marília Pêra de alguma maneira são três: Brincando Em Cima Daquilo, Doce Deleite e finalmente Irma Vap. Crise na dramaturgia? Desinteresse pelo momento cultural em que vivemos? Ou apenas facilidade na busca de patrocínios?Irma Vap poderia facilmente ser colocada nessa última categoria. Ledo engano. A nova montagem, que acaba de estrear, o faz sem aquela lista interminável de patrocinadores e apoiadores e pode inaugurar uma retomada aos bons e velhos tempos quando os produtores associados investiam seus próprios recursos e aguardavam o resultado da bilheteria.Ao abrir da cortina, passado o susto inicial de não encontrarmos o Ney nem o Nanini, dá para relaxar e aproveitar as composições exuberantes de Marcelo Médici e Cássio Scapin para as diversas personagens que se alternam em cena sem deixar um segundo apenas para que respiremos. Como se fosse mágica, eles se retiram de cena pela direita e retornam pela esquerda vestidos de maneira totalmente diferente e impregnados por outras almas. Outras personagens.Os que estão sendo apresentados à Irma Vap pela primeira vez apenas se deleitam. Sem culpa e sem sofrimento e pode-se dizer que o espetáculo encanta os mais jovens como o fez na década de 1980. Com um humor simples, sem ser simplório, o texto ainda envolve a todos. Até mesmo os mais saudosistas, que insistiam em dizer que a montagem dos anos 1980 era melhor, mesmo sem ter ainda assistido a essa.Marcelo Médici usa e abusa de seus talentos para propiciar a todos momentos inesquecíveis. Sem pudor cênico, dá vida a uma Lady Enid repleta de detalhes criativos, assim como ao gentil homem, dublê de lobo, que trabalha na mansão assombrada.Cássio Scapin é mais contido e sua aparente seriedade lhe serve como contraponto para as hilariantes cenas em que protagoniza. Seja só, ou acompanhado, desenha com precisão as personagens que lhe cabem no vasto latifúndio do autor somadas as propostas da direção. E por que não dizer dos próprios atores que criam "cacos" baseados em outras de suas experiências cênicas. Pelo menos duas referências são feitas à atuação dele em outro Castelo, o do Nino.A direção de Marília Pêra prefere não fugir muito da proposta que já havia sido experimentada por ela na montagem anterior e se priva de utilizar mais tecnologia virtual que poderia dar mais atualidade à nova encenação, e seria muito bem-vinda. Haveria de se levar em conta que a nossa vida é muito mais agitada do que na época em que Irma nos visitou pela primeira vez.Os cenários e figurinos de Fábio Namatame são competentes e servem com perfeição para a montagem proposta, e se por um lado não surpreendem por não trazer aquele toque de "revisitando Irma", nos remetem delicadamente ao que já estávamos esperando.A diversão para o público é garantida e, para os produtores, além do prazer do reconhecimento do público e dos números ($$$) da bilheteria, traz aquele gosto do sucesso que só as produções independentes sentem. Será que as nossas produções já estão maduras para não depender das tais engessadas leis de incentivo?

TEATRO SHOPPING FREI CANECA
R. Frei Caneca, 569. Shopp. Frei Caneca. Consolação. T.3472.2229. Estac. do shopping. 600lug.Qui e sex, 21h30; sab, 21h; dom, 19h. R$60 (qui e sex) e R$70 (sab e dom). 10 anos.

Nossas Medeias e Jocastas

2008-11-14T06:04:00.000-08:00

fotos: João Caldas

escrito para a Revista Brasileiros
edição n° 12 – Julho de 2008
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Uma história simples. Mãe viúva, filho único, uma empregada doméstica fiel. Todos eles têm sonhos e correm atrás deles. A mãe aproveita seus talentos culinários e abre um restaurante. Ele quer ser cineasta e parte para o Canadá para estudar cinema. A empregada doméstica sonha ser funcionária e segue a patroa como auxiliar da cozinha do restaurante. Poderia aí começar o desenho de um final feliz, sem questionamentos, mas são agregados novos e cotidianos ingredientes. Para manter os clientes, seria necessária uma constante renovação no cardápio do restaurante, mas a "chef" resiste a fazer mudanças. A vida dos outros personagens muda e a adaptação é difícil.Desde seu primeiro texto, encenado na década de 1980, Prepare Seus Pés para o Verão, ficava muito claro sobre o que Marta Góes queria falar e de que maneira iria fazê-lo. Os personagens do cotidiano seriam os seus alvos principais. Em A Reserva, que estreou no Teatro Cosipa, Marta continua fiel a suas idéias. É um prazer reconhecer seu estilo logo nas primeiras falas do espetáculo. Coisa rara nos dias de hoje, em que temos a sensação de que um único autor escreve tudo o que vemos. Seu texto faz com que enxerguemos os atos cotidianos através de uma lente, não de aumento, mas de foco apurado. E, abusando do humor refinado, o texto nos pega de jeito até nos rendermos emocionados à delicadeza com que ela aborda temas doloridos sem cair no dramalhão. A Reserva nos faz refletir sobre nossas próprias histórias e, em alguns momentos, até nos induz ao melodrama pessoal. Gera um sentimento dolorido e em seguida nos faz rir de nossa autocompaixão. Dói, mas é bom; diverte, mas dói. Receita perfeita. Em A Reserva, Marta Góes revela camada por camada dessas personagens e nada de braçada quando mescla seu humor doce ao sabor amargo do dia-a-dia.Grandes heroínas são muito mais fáceis de ser desenvolvidas como personagens; o difícil é dar consistência a esse universo cotidiano repleto de pequenos gestos e grandes emoções: Medéias e Jocastas de forno e fogão.Impossível não se render à interpretação de Irene Ravache. Ela é Vera, a mãe: a dela, a minha, a nossa, nós mesmos. Ela, Vera, declara amor incondicional por sua arte de cozinhar. Irene entende e mergulha fundo, e nos oferece o melhor prato: seu talento. Os textos de Marta já tiveram grandes intérpretes - Marisa Orth, Regina Braga, Tânia Bondezan -, mas é na interpretação de Irene Ravache que suas palavras alçam vôo e nos atingem visceralmente. Irene interpreta essa mulher com tanta sabedoria e emoção que se torna uma arma mortal para os menos avisados. A platéia se deleita com sua fala mansa, sua ironia e sabedoria cênica.Patrícia Gasppar vive Madalena - a empregada que vira assistente de cozinha no restaurante -, e ninguém melhor que ela para compreender esse universo delicado proposto pelo texto e pela direção. Patrícia transforma Madalena em protagonista de uma história paralela - a sua própria história -, sem abandonar por um momento sequer o barco da trama central. Quando usa seu talento para as cenas de humor, Patrícia arranca gargalhadas da platéia. Sua interpretação de "She", de Charles Aznavour, com letra adaptada para a compreensão tosca da personagem, diverte e ao mesmo tempo continua escrevendo essa história tão conhecida de todos nós. Na maioria das vezes não sabemos sobre o que falamos, mas nossas histórias vão se completando no tropeço de um texto inventado.Evandro Soldatelli vive Zeca, o filho de Vera, e como um bom filho se alimenta e se aproveita do contato com essas mulheres (mãe, atrizes, autora e diretora) e convence a platéia.A montagem é extremamente bem cuidada e envolve profissionais dos mais experientes. A direção competente de Regina Galdino, sem invadir, dá suporte a todas essas qualidades. O cenário criado por Fábio Namatame veste com sabedoria esse recorte do cotidiano e através de seus nichos, recheados com elementos difusos que, ao ser iluminados, protegem e revelam a memória de cada instante vivido pela personagem central, complementam a escrita de Marta.A trilha sonora de George Freire está lá, mas não avança o sinal em momento algum, acompanhando a iluminação competente de Ney Bofante. Nada melhor do que uma comida caseira para saciar nossa fome.
SERVIÇOA Reserva, de Marta Góes, com Irene Ravache, Patrícia Gasppar e Evandro Soldatelli, direção de Regina Galdino.Teatro Cosipa CulturaAvenida do Café, 277, Jabaquara, metrô Conceição. Estacionamento em frente. Vale a pena ir de metrô.Tel. (11) 5070-7018

O Eclipse

2008-11-14T05:53:00.000-08:00

Fotos: Priscila Prade

escrito para a Revista Brasileiros
edição n° 13 – Agosto de 2008
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Eleonora Duse, a grande dama do teatro moderno, personagem central do espetáculo O Eclipse, em cartaz no Teatro Jaraguá, em São Paulo, ainda é pouco conhecida entre os brasileiros. Ela nasceu na Itália em 1858, viveu até 1924 e ficou famosa por transformar a "arte de representar" em a "arte de interpretar". Introvertida, Duse dividia com a extrovertida Sarah Bernhardt o pódio de melhor atriz do mundo. A grande Sarah, como toda celebridade, usou de todos os artifícios para chegar ao estrelato. Duse, apesar de ter tido uma vida amorosa bastante efervescente, preferiu mantê-la longe dos refletores e se negava a falar de algo que não fosse a sua arte.Em 1907, doente e enfrentando uma crise existencial, ela esteve em São Paulo, onde interpretou Hedda Gabler, de Ibsen; La Gioconda, de Gabriele D'Annunzio, e A Dama das Camélias, de Alexandre Dumas. O público adorou Duse, ela odiou São Paulo. Estava coberta de razões.As atenções dos paulistanos ficaram divididas entre "A Divina Duse", como ficou conhecida, e o eclipse lunar que aconteceu na mesma semana de suas apresentações no Teatro Sant'Anna, na Rua Boa Vista. Tenho certeza que os que optaram por vê-la em cena fizeram a melhor opção. Duse era única e o Universo continuou a nos oferecer diversos tipos de eclipses.Inspirada nessa conjunção astral, Jandira Martini desenha com perfeição a história dessa mulher tão carregada de emoções e pensamentos profundos sobre a vida e a arte. A platéia de O Eclipse se delicia com o humor italiano de ambas: autora e personagem. Para levar o espectador à loucura, além de escrever essa bela história, Jandira Martini também interpreta o papel de Duse e, sem fazer pose de grande dama de ambas as artes, ela é capaz de nos conduzir por esse universo do teatro, da delicadeza da alma e da generosidade.É na relação entre Eleonora Duse com o cozinheiro Pietro, um imigrante italiano que trabalhava no hotel onde ela ficou hospedada em São Paulo, interpretado por Roney Facchini, que Jandira propõe um balanço da vida da atriz que, impaciente, vai mostrando suas fraquezas, suas verdades. Roney abre o seu coração e dá vida a essa personagem tão ligada à melancolia tipicamente italiana. É quase possível ouvir uma canção napolitana como fundo musical durante as suas cenas. Pura emoção.Pragmático, Francisco Serrador, o espanhol que criou a primeira sala de cinema em São Paulo, vivido por Maurício Guilherme, dá as deixas para que Duse mostre suas garras e, com ironia, fale das coisas em que não acredita. Serrador sonha e através de sua visão obstinada e cega, ingredientes fundamentais para aqueles que estão de olho no futuro, pede que ela permita que ele a filme. Ela se nega e explica suas razões. Seu trabalho não sobreviveria sem a sua principal ferramenta, a fala. De certo modo, a crença de Serrador no cinema e no futuro a fascina. Vale lembrar que, tempos depois, quando esteve afastada por alguns anos do teatro, Duse rende-se e deixa-se perpetuar num filme mudo. Não por ele, claro.Cabe aqui discutir o papel de artistas que dedicam grande parte de suas vidas à comédia, como Jandira, Roney e Maurício Guilherme, e que quando se deparam com personagens tão delicadas oferecem o melhor de suas emoções. Aqueles que conseguem nos fazer rir são os únicos capazes de nos emocionar de verdade. Dá para concluir que só o humor constrói.A direção de O Eclipse é assinada por Jô Soares, outro artista dedicado ao humor, que, por sabedoria, ou respeito, pouco interfere nas criações de artistas com tanto a dizer.Se os figurinos, trilha sonora e cenários não colaboram de maneira positiva para enriquecer o espetáculo, também não chegam a atrapalhar. A emoção do texto que recebe o adjetivo de comédia dramática é inabalável.Para a platéia não sobra nada além do deleite. Eleonora Duse comenta em uma de suas falas que sempre se falou que o teatro da palavra estava morrendo, mas que como um Fênix ele se reinventaria e sobreviveria para sempre. Essa montagem de O Eclipse é uma prova que a arte de interpretar está mais viva do que nunca.

Crise no cabaré

2008-11-14T05:46:00.000-08:00

escrito para a Revista Brasileiros
edição n° 14 – Setembro de 2008
www.revistabrasileiros.com.br/

Quem vai pouco ao teatro não tem a menor idéia do imenso talento de Stella Miranda, atriz que vive a popular síndica do Condomínio Jambalaya, Dona Álvara, no seriado de humor Toma Lá Dá Cá da rede Globo de televisão.
Com uma carreira brilhante, Stella transita entre o mais deslavado besteirol e as mais elaboradas produções teatrais que é o caso de Caidaça - A verdadeira falsa cantora de cabaré. Isso sem falar em sua passagem meteórica pelo mundo da música sertaneja quando fomos acometidos pela invasão da “agromusic” e encarnou ao lado de Kátia Bronstein a dupla caipira-chic Xicotinho e Salto Alto.
Nascida em São Paulo e formada em Paris, Stella participou como atriz e diretora de grandes musicais e por seus trabalhos recebeu os mais cobiçados prêmios do teatro brasileiro como o Sharp, Shell e Governador do Estado do Rio de Janeiro.
Sua atuação em Império, de Miguel Falabella, como Carlota Joaquina, no ano passado, era avassaladora. Voz e atuação primorosas, fora seu talento nato para o humor de qualidade.
Segundo a própria Stella, Caidaça - A verdadeira falsa cantora de cabaré é um espetáculo inédito e pouco tem a ver com o Caidaça Na Fossa que protagonizou no final dos anos 80, com direção assinada por ela e por Flávio Marinho, e só se apresentou no antigo Ópera Room, em São Paulo.
Apoiado por uma trilha musical nada convencional, que vai de Tom Waits a Amy Winehose, o texto conta e canta a história de Jesca Azurita, uma cantora de cabaré neo/pós decadente em busca de si mesma.
E em um determinado momento do espetáculo a personagem se explica: “Do lado de minha mãe só havia professores e padres. E do lado paterno, alcoólatras e loucos. Procurei fazer uma síntese."

Em Caidaça, que ficará em cartaz no Espaço Sérgio Porto, Rio de Janeiro, até início de outubro, Stella Miranda canta 17 músicas, a maioria de Tom Waits, acompanhada por Luiz Antonio Gomes, Ronaldo Diamante, Elcio Cáfaro e David Ganc. O espetáculo conta ainda com a participação de Carol Machado e Daniel Kristensen. Gringo Cárdia assina a direção de arte e a cenografia e Deborah Colker a coreografia.

Serviço
Caidaça - A verdadeira falsa cantora de cabaré , de Stella Miranda. Com Stella Miranda, Carol Machado e Daniel Kristensen.
Direção Stella Miranda.
Espaço Cultural Municipal Sérgio Porto Rua Humaitá 163 (entrada pela R. Visconde Silva)Botafogo - RJ 21 2266-0896

TEMPORADA ENCERRADA

Sonhos, música e doce de leite

2008-11-14T05:35:00.000-08:00

Fotos: João Caldas

escrito para a Revista Brasileiros
Edição n°14 - Setembro 2008
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Muitos textos já foram escritos e encenados sobre o sonho de deixar a terra natal para morar na cidade dos sonhos, mudar de vida. Parece que boa parte da população do mundo alimenta essa fantasia de que a felicidade mora além do horizonte. Esquecemos que quando partimos, nos levamos junto.
Trieiros, de Doró Cross Silva e Regina Galdino, fala disso e de muito mais através dos depoimentos coletados no interior de Goiás e na periferia de São Paulo.
Três mulheres muito simples com histórias parecidas e sonhos distintos tecem suas narrativas e, acompanhadas de uma sanfona, nos levam a costurar as nossas próprias vidas, bordá-las e por vezes remendá-las.
Envolvendo a platéia, quase na sua maioria acomodada no mesmo espaço do que as atrizes, essas mulheres enternecem a todos os espectadores que abrem seus corações e dividem seus devaneios, sem pudor, com todos os demais presentes. Vale tudo. Confissões, receitas de comida, aspirações.
Navegando entre o drama e a comédia, questões sobre o medo do desconhecido, a vontade de experimentar o novo, o conforto da vida entre os “nossos”, são os temas propostos pelo texto. A platéia envolvida com essas personagens tão doces e frágeis acaba participando, contando suas próprias experiências e enriquecendo o próprio texto que funciona como uma trilha aberta para as emoções mais puras.
Acompanhadas pela sanfoneira Duda Maya, as atrizes Doró Cross Silva, Juçara Morais e Soraya Saide – que sempre surpreende com a sua compreensão cênica – ficam à vontade para dançar, cantar e transitar com sabedoria entre os papéis propostos pelo texto e a função de pesquisadoras da alma humana.
A direção de Regina Galdino mais uma vez opta pelo respeito à delicadeza do texto e assunto e acerta. Como numa boa quadrilha, as cenas se desenrolam numa seqüência que todos conhecem muito bem e, mesmo na hora da chuva ou de enfrentar a cobra, todos reagem naturalmente e sobrevivem.
Quando o coração da platéia começa a ficar muito sobrecarregado, as personagens/atrizes servem doce de leite caseiro para acalmar os ânimos. Todos respiram aliviados e tudo acaba bem.

Serviço

Trieiros, dramaturgia Regina Galdino e Doró Cross Silva. Com Soraya Saide, Juçara Morais, Doró Cross Silva e Duda Maya. Direção Regina Galdino.

Viga Espaço Cênico
Rua Capote Valente, 1323. Sumaré. SP / SP
Tel.: (11) 3801.1843
Até 28 de setembro.

Teatro Arthur Azevedo
Avenida Paes de Barros, 955. Mooca. SP / SP
Tel.: (11) 2605.8007
Reestréia 03 de outubro.
TEMPORADA ENCERRADA